중세음악은 중세시대에 쓰여진 서양의 음악이다. 이 시기는 로마제국의 멸망에서 시작되어 18세기 마감한다. 중세의 끝과 르네상스의 시작은 어려운 부분으로 음악학자에 의해 채택된 하나의 주장을 인용하고자 한다.

14세기 중세에 음악가는 비엘(12~13세기 오현금)을 연주했다. 중세음악을 연주하는데 사용되는 악기는 현존하지만 그 모양새는 다르다. 플루트는 은이나 다른 금속보다도 우선적으로 나무로 만들어졌다. 그리고 세로로 불거나 관 끝부분위에 입술을 대고 부는 side-blown 이나 end-blown 악기였다. 리코더는 다소 과거의 모양을 유지하고 있다. 겜스호른은 리코더와 비슷해서 전면에 손가락 구멍이 있으나 오카리나의 한종류에 속한다. 플루트의 전신인 팬플릇은 중세에 인기있는 악기였으며 고대 그리스에서 기원한것으로 추정된다. 플루트의 파이프는 나무로 만들어졌고, 다른 음을 생성하기 위해 길이별로 눈금이 매겨져 있었다.

중세음악은 류트, 만도린, 기턴(예전의 기타의 일종), 프살테리움과 같은 많은 발현악기를 사용하였다. 프살테리움과 치터와 비슷한 구조인 덜시머(두 개의 나무망치로 철선을 두드려 소리를 내는 타악기)는 자주 연주되었다. 그러나 14세기 후반에 금속현악기를 제조할 수 있는 기술이 생겨나 그 쓰임새가 줄었다.

비잔틴 제국의 현악기 리라는 처음으로 기록된 유럽의 활 현악기이다. 페르시아의 9세기 지질학자 Ibn Khurradadhbih는 비잔틴 리라를 사전편찬에 있어서 아랍 라바브와 동등한 현악기이며 오르간과 하프 그리고 백파이프와 더불어 비잔틴의 전형적인 악기로 인용하고 있다. 허디거디는 송진을 바른 회전판으로 현에 진동을 주는 기계적인 바이올린 이었다. Jaw Harp처럼 울림박스가 없는 악기가 그 시대에 유행하였다. 오르간의 초기 버전과 피들 그리고 색벗이라 불리우는 트럼본이 존재했다.

장르

더 많은 정보는 그레고리안 성가, 아르스 노바, 오르가눔, 모테트, 마드리걸, 캐논 그리고 발라타

중세음악은 성스러우면서도 세속적이었다. 초기의 중세시기 동안 예배식의 장르 특히 그레고리안 성가는 단선율(동시에 하나의 음밖에 낼 수 없음)이었다. 다선율의 장르는 후반기에 발전하기 시작하였는데 13세기 후반과 14세기 초에 일반화 되었다. 이러한 발전은 종종 아르스 노바와 관련 되어있다. 단음성가에 대한 초기의 혁신은 헤테로포니 (2인 이상이 동일한 선율을 각자 변화를 주어서 동시에 연주) 였다. 오르가눔은 당시의 성가에 주어진 간격에 선을 동반하는등 다선율과 단선율에 오가는 역할을 하였다. 오르가눔의 원칙은 옥타브의 간격에 평행 모션으로 기존의 단선율 성가를 이중화시키는 무시까 엔키리아디스 (9세기 9세기 카롤로 왕조 부흥 시대에 전례 개혁과 더불어 나온 익명의 음악책)라는 9세기의 책자에 기원한다. 모테트은 매우 세련되어 있는데, 중세의 단선율 성가의 클라우술라 장르에서 발전되어 중세 다선율 성가의 가장 융성한 모양으로 되었다.

초기의 모테트는 13세기 말까지 예배의식적이고 성스러운 반면 그 장르는 사랑같은 세속적인 주제를 포함하는 방식으로 확대되었다. 르레상스 시기에는 마드리갈의 이탈리아 세속적인 장르는 인기가 있게 되었다. 모테트의 다선율과 비슷하게 마드기랄은 풍부해졌다. 마드리갈의 형식은 캐논을 불러있으켰고, 특히 이탈리아에서는 캇차 (마을 생활에서의 여러 가지 소리와 사냥을 묘사한 가사가 있으며, 독립 테너를 덧붙인 카논(canon)에 의한 14세기 이탈리아의 음악 형식)로 작곡되어졌다. 3분의 세속적인 작품은 캐논에서 악기연주하에 두개의 높은 성악 부분을 구성하였다. 순수 기악 또 이시기에 발전하였는데 극장과 소비의 성장에 맥을 같이한다. 춤 음악은 순수한 기악의 장르에서 가장 크게 성장하였다. 세속적인 발라타는 14세기 이탈리아에서 매우 인기가 있었다.

이론과 표기법

중세시기의 이론과 표기법은 서양음악을 오늘날의 모습으로 이끄는 역할을 하였다. 가장 두드러진 특징은 포괄적인 표기방식의 발전이다. 이와 마찬가지로 리듬과 다선율에 대한 이론적인 진보는 서양음악의 발전에도 매우 중요한 역할을 하였다.

표기법

초기의 중세음악은 표기방식이 존재하지 않았다. 곡은 단선율적이었고 구전에 의해 전해졌다. 그러나 표기의 형식은 단지 멜로디를 알고 있는 노래하는 사람의 기억에 의존하였다. 한편 로마가 다양한 예배의식을 중앙화하고 주된 전통으로 만들려함에 따라 여러지역에 효율적으로 전하려는 필요가 강해졌다. 이러한 문제를 해결하는 첫 단계는 네우마라 불리우는 다양한 기호를 도입하는 것이었다.

네우마의 기원은 불분명하고 논쟁거리의 주제이다. 그러나, 대부분의 학자들이 동의하는 것은 가장 가까운 기원은 목소리의 올라감과 내려감을 의해 중요성이 표기하는 고대 그리스와 로마의 문법적인 기호가 가장 가까운 기원이라는 것이다. 고전 문법의 두개의 기초적인 기호는 아쿠투스 '/' 목소리를 높임과 그라비스 '\' 목소리를 낮춤 이다. 이것은 결론적으로 네무마 표기의 기본 기호로 발달하여 높임을 나타내는 virga 그리고 낮음을 나타내는 punctum 로 발전하였다

이러한 actus와 gravis는 음절에 대해 도표적인 음조를 나타내는 데 결합되었다. 이러한 표기법은 18세기까지 유지되었으며 19세기까지 주된 음악의 표기법으로 자리하였다. virga와 punctum의 기호는 개인적인 표기의 상징으로 남아있으나 다른 네우마 표기는 다른것들과 결합되어 발전되었다.

이런 기본적인 네우마적인 표기는 표기의 숫자를 전문화 하고 오르내림을 표현할수 있게 만들었다. 그러나 정확한 음의 높이나, 리듬, 혹은 시작표기를 알리는 방법은 존재하지 않았다. 비록 기억을 보조하는 것으로 출발되었지만 보다 많이 표기하게 된 것의 가치는 명백한 것이었다.

음악적 표기에서 다음의 발전은 "heighted 네우마"로 서로다른 것에 비교하여 다른 높이를 표기하였다. 이것은 네우마로 하여금 방향 뿐만 아니라 주어진 간격의 크기를 나타날 수 있게 하였다. 이것은 각자 특별한 표기를 나타내는 한두개의 선으로 발전하였다. 처음에는 이러한 선은 특별한 의미를 가지지는 못하였고 시작을 알리는 특정한 표식을 대신하였다

Four-line staff는 중세시대 가장 중요한 음악이론가인 Guido d’ Arezzo (c. 1000-1050)에 의해 완성되었다. 성가 표기법이 여러 방법으로 발전되었지만, 하나의 근본적인 문제점은 남아있었다. 즉 리듬이었는데 네우마적 표기의 방식은 발전된 상태였지만 리듬을 명확하게 정의하지는 못했다.

르네상스 음악은 르세상스시기에 유럽에서 쓰여진 음악이다. 음악 역사학자에 따르면 르네상스 음악은 14세기경 중세시기의 마감과 함께 시작되어 바로크 시대가 시작되는 16세기 중반까지 이다.

다른 예술의 분야처럼 이 시기의 음악은 인본주의 사상의 발전에 지대한 영향을 받게 된다. 고대 그리스와 로마의 문학의 복원과 유산, 기술혁신과 발견, 상업적인 기업의 성장, 중산계급의 발전, 종교개혁등...

인쇄 발전은 음악의 가능성을 한층 넓혔다. 부르조아 계급의 성장에 따라 음악은 엔터테인먼트와 교육을 받은 아마추어들의 수요를 가져왔다. 샹송, 모테트, 미사의 보급은 유럽지역을 통틀어 다선율을 풍성하게 발전시켰다. 정치적으로 안정화되고 번영에 따라 많은 교회와 성당에서는 성악과 작곡등이 가능해졌다

이러한 음악가는 유럽에서 많이 요구되었는데, 특히 이탈리아에서는 교회나 귀족에 의해 작곡가나 선생님으로 고용되었다. 16세기 말까지 이탈리아는 북쪽 문화를 받아들여 음악의 중심이 되었다. 이시기에 오페라가 등장하는데 고대 그리스 음악을 재건하려는 시도의 결과였다.

중세의 제약으로 부터 점차 자유로워짐에 따라 음악은 개인 표현의 창구가 되었다. 작곡가는 음악적 표현을 텍스트로 표현할 수 있는 길을 찾게 된 것이다. 세속적인 음악은 성스러운 음악의 기술을 흡수하였다. 샹송과 마드리갈 같은 인기있는 세속적인 유형의 음악은 유럽전역에 퍼졌다. 귀족사회는 성악가와 기악연주가를 고용하게 되었다.

음악은 처음으로 자기자신을 위해 존재하는 자기 만족적인 것이 되었다. 친숙한 현대의 악기들 즉, 바이올린, 기타 및 건반악기가 르네상스시기동안에 탄생되었다. 15세기 동안에 3화음이 일반화되었고, 16세기 말에는 교회의 방식은 사그러지고 서양 음악의 다음의 3세기에 지배하게 되는 기능적 조성이 주류로 등장하게 된다. 르네상스 시대부터 성악과 기악이 세속적인 음악과 성적인 음악으로 존재하게 되었으며, 스타일과 장르에서 다양화 되었다.

바로크 음악은 대략 1600~1750년 사이에 작곡된 서양음악의 스타일이다. 이시기는 르네상스 이후 클래식컬 시기전 까지 이다. 바로크라는 단어는 기형적인 진주를 의미하는 포루투칼의 barroco에서 기원하는데 이시기에 화려하게 장식된것에 대한 부정적인 표현을 담고 있다. 후에 바로크의 이름은 동일시기의 건축양식에도 사용되었다.

바로크 음악은 클래식 음악에서 주요한 위치를 차지하고 있다. 바로크 시대의 주요한 작곡가는 Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, François Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau, Johann Pachelbel, and Henry Purcell 등이다.

바로크 음악시기에 음조가 탄생하였다. 이시기에 작곡가와 연주가는 음악적 장식을 사용하였고, 음악적 표기법에서 많은 변화를 가져왔으며 악기에서 많은 발전을 가져왔다. 바로크 음악은 규모와 범위, 악기 다양성에서 발전을 가져왔으며 오페라, 칸타타, 오라토리오, 콘체르트, 소나타 등의 다양한 장르로 확대되었다. 이시기의 많은 음악적인 용어나 개념이 현재에도 아직 사용되고 있다.

Florentine Camerata는 Count Giovanni de' Bardi의 후원아래 예술 특히 음악과 희극의 흐름을 논하고 주도하기 모인 휴머니스트, 음악가, 지식인 구성되어 단체였다. 음악을 논함에 있어 그들은 고대 그리스의 음악적 희극에서 담화와 화법을 가치있게 생각하고 있었다. 따라서 그들은 당대의 다성음악과 기악을 거부하였고 단선율로 kithara의 반주에 솔로로 고대그리스 음악을 읊었다. 이러한 생각은 오페라의 시작을 가져왔고 어느정도 바로크 음악의 촉매로서 역할을 하였다.

이탈리아는 로만 카톨릭 교회에서 신념을 증진시키기 위한 예술적 도구를 찾는데 있어 새로운 스타일의 초석의 역할을 하였다. 가장 중요한 음악적 중심의 한곳은 베니스로 세속적이며 성스러운 분야의 지원을 이용할 수 있었다.

Giovanni Gabrieli는 그이 작품이 High Renaissance 방식이라고 여기지기 했지만 새로운 스타일의 탄생에 있어서 중요한 전통적인 특징중에 하나가 되었다. 그의 혁신은 새로운 스타일의 기초가 되었다.

Claudio Monteverdi는 세속적인 것을 하모니와 텍스트로 현대적인 것으로 느끼게 하는 작곡가 시대의 가장 비주얼한 인물이었다. 그의 작품 L'Orfeo는 seconda pratica라 불리우는 새로운 학파에 랜드마크가 되었다. Monteverdi는 Luca Marenzio와 Giaches de Wert의 유형에 지평을 넓혀 간략화된 스타일의 마드리갈을 만들었다. 그의 새로운 스타일의 작품은 매우 영향력이 컸으며 바로크시대의 종료로 인식될 만한 특징을 내포하고 있었다.

중기 바로크 음악 (1630–1680)

프랑스의 루이 14세로 특징되는 절대왕정의 시대의 경제적, 정치적 특징이 중앙으로의 집중을 가져왔다. 예절과 예술의 중시하는 스타일은 유럽의 타지역에 모델이 되었으며 교회와 후원의 등장은 조직화된 공적인 음악의 수요을 넓혔다. 그리고 악가의 사용이 증가함에 따라 실내악의 수요가 늘어나게 되었다.

중기 바로크 시기는 새로운 스타일과 특히 오페라에서의 점진적인 조직화화라는 특징에서 초기 바로크 시기와 구별된다. 문학에서 출판과 무역이 작품에서 국제적인 고객을 확대하는 것처럼 음악또한 그러한 특징을 가지게 되었다.

중기 바로크 시기는 1630년 동안 칸타타, 오라토리오, 오페라의 등장으로 정의되어진다. 바로크와 후기의 클래시컬 스타일을 발전시키는데 가장 중요한 역할을 하게 되는 스타일의 개념은 음악을 말과 동일시 하는 것이었다. 초기 바로크의 화려한 콜로라투라 모노디는 단순해져 멜로디 스타일이 되었다.이러한 멜로디는 사라반느 혹은 쿠랑트로 부터 정형과된 춤 형식에 기초하고 있다. 하모니는 또한 초기의 바로크의 단성음악보다 단순해졌으며 베이스와 밀접히 결합하게 되었다. 하모니의 단순함은 레시터티브와 아리아의 차이점을 두각하는 형태가 되었다. 가장 중요한 스타일의 혁신자는 Romans Luigi Rossi와 Giacomo Carissimi 인데 이들은 칸타타, 오라토리오의 주된 작곡가였으며 Venetian Francesco Cavalli는 오페라 작곡가였다.

후기 바로크 음악 (1680–1750)

중기와 후기 바로크시기를 구분하는 것은 논쟁의 여지가 있다. 후기 바로크의 시작시기는 1680년에서 1720년 사이의 범주에 해당된다. 이탈리아는 일반적으로 후기 바로크 스타일로 넘어간 첫번째 국가로 여겨졌다. 바로크 음악의 시기를 구분하는 중요한 것은 음악의 원칙을 구성하는 것으로서 음조의 통합에 있다.

앞선 시기에 발전되어진 형태는 번창하고 다양화되었다. 협주곡, 모음곡, 소나타, 콘체르트 그로소, 오라토리오, 오페라 그리고 발레가 확산되었다. 작품은 두토막 형식 (AABB), 단순한 3토막의 형식 (ABC)이나 론도 형식이 일반화 되었다. 이런 형식은 후기 작곡가에 영향을 미쳤다.

Antonio Vivaldi는 19세기에는 잊혀졌는데 20세기에 다시 부활하였다. 근 1678년에 베니스에서 출생하여 가톨릭의 성직자였다. 동시기에 그는 베네치아 소녀 고아원의 바이올린 연주자로 임명 되었는데 그는 죽을 때까지 관계하였다. 비발디는 오케스트라나 연주에서 알려지지 못했으나 상중 소나타, 바이올린 소나타, 콘체르티의 작곡의 출판에서 그 명성을 얻었다. 그의 작품은 암스테르담과 유럽의 전지역에서 출판되었다.

그는 빠르게-느리게-빠르게 3악장구성, 리토르넬로의 빠른악장, 등의 일정한 패턴을 그의 수백개의 작품에 적용하였다. 그는 또한 "4계절"의 바이올린 콘서르티 처럼 작품에 타이틀을 사용하였다. 비발디의 작곡가가 출판이나 작품을 알리기 위한 여행으로 부양할 수 있으면 독립된 존재가 가능함을 보여주었다.

Johann Sebastian Bach는 시대를 뛰어넘어 바로크 음악의 최고봉이다. 그는 바로크 시대에 선생님이나 대리인 및 연주자로 알려졌는데 헨델이나 텔레만 보다 작곡가로서는 덜 알려졌었다. 1685년에 아이제나흐에서 음악가 집안에서 태어나 광범위한 조기교육을 받았으며 탁월한 소프라노 목소리를 소년으로 여겨졌다. 그는 오르간 연주자로서 기교와 능력의 명성을 얻을 수 있었다. 1723년에 라이프치히의 음악 지휘자로 정착하였는데 그의 다양한 경험은 그를 세속적인 음악과 성스러운 음악의 리더이며 음악의 선생님으로 이끌었다. 그는 라이프치히에서 주일과 예배식을 위해 칸타타를 작곡하였는데 대략 200여개의 칸타타가 존재한다.

바하는 St John Passion, St Matthew Passion, Christmas Oratorio, spanning six feast days, Mass in B minor의 거대한 규모의 작품을 작곡하였다. 바하의 음악적 혁신은 바로크의 단성과 다성의 유형의 깊이와 외적 한계를 헤아리게 한다. 그는 모든 대위법적인 가능성과 합창과 함께하는 하모니를 창조하는 가능한 모든 도구의 가상적인 목록이다. 푸가 유형의 작품은 오르간에서 프렐류드와 토카타가 쌍을 이루고 있고 바로크 콘체르트 유형은 연주적으로나 이론적 기술에서 필수가 되었다.

고전 시대의 서양음악은 대체적으로 1750-1820년 사이를 일컫는다.

고전시대는 바로크 시대와 로만틱 시대의 사이에 존재한다. 이 시기에 가장 잘 알려진 작곡가는 Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven 이며 Luigi Boccherini, Muzio Clementi, Antonio Soler, Antonio Salieri, François Joseph Gossec, Johann Stamitz, Carl Friedrich Abel,Carl Philipp Emanuel Bach, and Christoph Willibald Gluck 또한 잘 알려져 있다. 한편 베토벤은 종종 로만틱 시대의 작곡가로도 여기지기도 한다.

18세기 중반 유럽은 건축, 문화 그리고 예술에서 고전주의로 알려주 새로운 스타일로 이동하고 있었다. 고전주의는 고대 그리스로 특징되어진 이상주의를 모방하였다. 새로운 스타일은 부분사이의 구분을 명확히하고 밝은 대조와 색상 그리고 복잡하기 보다는 단순한 것을 지향하였으며 오케스트라의 규모는 커졌다.

경제의 질서와 사회적 구조의 변화가 새로운 구조로의 변화를 가져왔다. 18세기가 진행됨에 따라 기악에서는 귀족화가 주된 흐름이 되었고 코믹오페라가 성장하기 시작하였다. 이러한 변화는 표준화된 악기 그룹의 형성과 콘티누어(반주용 악기의 연주부분)의 중요성이 줄어들게 하였다. 바로크의 세계에서는 추가된 악기는 일반적으로 콘티누어에 추가되어졌지만 고전주의 세계에서는 기악의 각 파트는 특별하게 표현되었으며 오블리가토(음악 작품의 기악 파트에서 필수적인 부분)는 줄어들게 되었다. 18세기에 이르러서는 그 말이 사라지게 되었다.

경제적인 환경이 변화함에 따라 음악가가 이용할 수 있는 밸런스와 양적인 부문의 변화를 가져왔다. 후기 바로크 시대동안에 작곡가는 마을의 음악적 자원을 기반하여 작고 고정된 범위에서 자원을 이용할 수 있었다. 이것은 연주하기에 작은 부문에 집중하고 일부악기의 특별하거나 규격화된 형태로 작곡을 진행하게 하였다.

다성음악이 더이상 음악의 촛점이 되지 않았고 반주에 기반한 단일한 멜로디가 각광받았다. 조화의 단순함은 악기적인 세부적인 표현을 더 중요하게 만들었어 또한 특징적인 리듬의 사용을 만들어 냈다. 즉, opening fanfares, funeral march rhythm, minuet genre가 그것이었다

협죽곡과 소나타의 형식은 더욱더 무겁게 정의되었고 보다 특별한 규칙을 가지게 되었으며 교향곡이 이 시기에 탄생하였다. 합주협주곡(한명 이상 음악가의 협주곡)이 솔로협주고(한명 음악가의 협주곡)을 대체하기 시작하였으며, 이에 따라 음악가의 능력을 돋보이게 하기 위해서 연주장소가 더욱더 중요해지기 시작하였다.

주요 특징

고전주의 음악은 바로크 음악보다 가볍고, 구조가 명쾌하며 덜 복잡하다.

작품안에서의 다양성과 대조는 기존보다 두드러지게 되었다. 키, 멜로디, 리듬, 다이나믹의 다양성은 바로크 시대보다 고전주의 시대에 보다 일반화 되었다. 멜로디는 바로크 음악보다 짧아지는 경향을 가졌다. 오케스트라는 규모와 범위에서 커졌으며, 하프시코드는 반주에서 사용이 줄어들고, 목관악기는 그 범위가 확대되었다. 하프시코드는 솔로 악기로서 피아노에 의해 대체되었다. 초기의 피아노 음악은 가벼웠으나 점차적으로 풍부하고 강력해졌다.

기악이 중요해졌다. 소나타, 삼중주, 현악4중주, 교향곡, 협주곡, 세레나데, 디베르티멘토.. 소나타의 형식이 발전되었으며 가중 중요한 형식이 되었다.

역사

바로크시대/고전주의 시대 c. 1730–1760

초기에는 바로크 유형을 전수받았으나 단순해졌으며, 꾸밈음이 표현되고 악장의 구분이 강조되었다. 그러나 시간이 지나감에 따라 어떤 작품에서는 심미적인 변화가 있었으며 기본적인 구조가 변하였다. 이 시기의 작곡가는 극적인 효과와 빼어난 멜로디, 명쾌한 구조를 추구하였다. 이탈리아 작곡가 Domenico Scarlatti는 바로크에서 고전주의로 변화하는데 중요한 인물이다. 그의 독특한 작곡의 스타일은 초기 고전주의와 깊이 관련되어있다. 그는 500여개의 한악장의 건반 소나타를 작곡한 것으로 잘 알려져 있다. 스페인에서는 Antonio Soler가 Scarlatti보다 다양한 형식으로 건반 소나타를 작곡하였는데 어떤 작품은 3,4악장으로 구성되어있다.

또다른 과거에 대한 단절은 Christoph Willibald Gluck의 오페라에서 였다. 그는 하모니에 변화에 촛점을 두어 음악의 감정적인 색체로의 집중을 꽤할 수 있었다. 당대의 가장 유명한 작곡가들의 사이에서 Gluck은 많은 모방자들을 낳았다. 그중에 한사람은 Antonio Salieri이다.

1750–1775 경

1750년대 말 까지 이탈리아, 비엔나, 만하임과 파리에는 새로운 스타일의 융성한 센터가 있었다. 많은 수의 교향곡이 작곡되었으며 극장과 관련된 연주자의 밴드들이 존재했다. 오페라와 성악은 협주곡과 교향곡과 함께 주된 음악적 이벤트였다. 고전주의 시대에는 교향곡과 협주곡이 발전하여 성악과 독립되어 갔다.

1750년대 후반 비엔나에서 앙상블과 특징적인 리듬의 악장이 확립되었다. 그러나 작품의 길이나 무게감에서 다소 바로크적 특징에 기반하였다. 즉, 개별악장이 촛점이 맞춰지거나 길이는 바로크의 악장 보다도 크게 길지도 않았다. 새로운 스타일로의 작곡하는 방법에 대한 이론도 부재하였다. 새로운 돌파구를 위해 완숙되어가는 시기였다.

많은 돌파구는 C.P.E. Bach 와 Gluck에 의해 만들어졌다고 들 한다. 실제, C.P.E. Bach 와 Gluck는 고전주의 스타일의 설립자라고 종종 여겨지기도 한다.

고전주의 방식의 최고의 작곡자는 Joseph Haydn이다. 그는 1750년대 시작하여 1761년까지 혼자서 40곡의 교향곡을 작곡하였다. 그 사이 그는 명성을 얻었으며 그의 교향곡은 알려지고 복사되고 퍼트려졌다.

모차르트와 베토벤에 의해 투영되어졌다는 주장도 있지만, 하이든이 서양음악 전반에 중심이라고 보기는 다소 무리가 있어보인다. 모차르트와 베토벤 이전에는 건반음악에서 탁월했던 Johann Sebastian Bach와 함께 하이든은 헨델을 제외하고는 최고의 작곡가였을 것이다. 그래서 그는 교향곡의 아버지와 현악사중주의 아버지라는 명성을 얻을 수 있었다.

하이든은 극적인 대조와 보다 멜로디의 감정적인 호소와 날카로운 특징과 개인주의를 원했다. 이시기에 음악과 문학은 쇠퇴기였다. 그러나 몇십년후의 심미적인 재능의 조합에 영향을 끼치게 된다.

Farewell Symphony, No. 45 in F♯ Minor는 하이든이 새로운 스타일의 다른 요구를 결합하는 예가 된다. 1772년 하이든 6개 현악4중주를 완성하는데, 그는 전기시의 다성음악의 기술에 그의 멜로디적인 생각을 같이 결합하는 구조적 일관성으로 발전시켰다. 후기 바로크의 복잡성에 대항하여 바로크적인 요소를 고전주의 요소와 결합하는 시기였다.

1775–1790 경

하이든은 10여년 이상 왕자를 위한 음악지휘자로 부임하여 작곡하는데 있어 많은 자원과 범위를 가질수 있었으며 그의 곡을 연주하는데 있어 힘을 형성할 수 있는 능력을 보유하였다. 이런 기회는 낭비되지 않았으며 하이든은 음악에 대한 그의 생각을 기술을 표현할 수 있었다. 그의 다음의 중요한 곡은 Opus 33 현악사중주(1781)로 멜로디와 하모니가 악기들 사이에서 자연 스럽게 넘길수 있는 곡이었다. 이곡은 무엇이 멜로디이고 무엇이 하모니인지 순간적으로 불분명하다. 이것은 앙상블 작품에서 이전을 위한 드라마틱한 부분과 클라이막스부분 사이에 방식을 변화시켰다. 음악은 명백한 중단 없이 부드럽게 흘러간다. 그는 이러한 통합적인 방식을 오케스트라와 성악에도 적용하기 시작하였다.

하이든이 제공한 음악에 대한 선물은 작곡의 방식, 즉 작품을 구조화하는 방법으로 새로운 스타일로 미학적으로 완성하는것과 괴를 같이한다. 그러나 당대에 젊은 모차르트는 하이든의 생각을 자신의 천재성에 접목하고 두개의 커다란 장르에 적용하였는데 오페라와 협주곡이 그것이다. 하이든은 그의 생을 귀족의 작곡자로 보낸반면 모차르트는 시민들 사회에서 연주자로서 성공을 원했다. 하이든은 국제적으로 여행을 하면서 연주할 만한 명연주가는 아니었고 많은 관중앞에서 오랜 저녁시간에 연주될 만한 오페라 작품을 추구하지도 않았다. 그러나 모차르트는 명연주와 오페라 모두를 원했다. 모차르트는 반음계 코드에 재능을 가지고 있었고 한 작품에서 멜로디의 풍부함을 창조하는 것을 좋아했다. 그는 하이드과 바흐에 대한 학습을 통해 그의 재능을 풍부하게 할 수 있는 도구들을 발견하게 되었다.

모차르트가 1780년 비엔나에 도착함으로써 고전주의 발전에 가속화를 가져왔다. 그곳에서 모차르트는 이탈리아식의 화려함과 독일식의 응집성을 결합시킬 수 있었다. 그당시에 전쟁과 인플레이션으로 커다란 오케스트라는 중단되고 해체되거나 많은 극장의 오케스트라는 감소되고 있었다.

이기간 동안에 하이든과 모차르트는 작곡의 높은 기준으로 인식되어 졌다. 1780년대 말까지 모차르트와 하이든을 모방하는 작곡가들에 의해 악기와 성악에서의 독작적인 위치와 음악가에 대한 기술적인 수요, 유형적 결합이 이루어져 갔다. 그동안 모차르트는 그의 가장 유명한 오페라 곡을 작곡하였으면 그의 six late symphonies를 작곡하였다.

Circa 1790–1820

하이든과 모차르트가 작곡을 시작했을때 교향곡은 다른 작품의 전, 사이 혹은 간주곡으로 단일악장으로 연주되었다. 그리고 단지 10~20분정도 연주시간을 진행되었다. 그러나 그 사이에 음악의 세계는 극적으로 변화하여 국제적 출판과 연주의 여행이 일반화되고 연주사회는 정형을 형성하고 표기법은 전문화되고 작품에 대한 표현과 도식은 단순화되었다. 1790년 모차르트가 죽기 바로 직전에 하이든은 그의 명성과 함께 그의 마지막 오파토리오와 런던 교향곡의 성공이 이어졌다. 파리와 로마 그리고 독일의 전지역에 이는 작곡자들이 하이든과 모차르트의 유형을 따랐다.

가장 운명적인 젊은 세대는 Ludwig van Beethoven으로 그는 1794년에 세곡의 피아노트리오와 함께 수많은 작품을 작곡하였다. Johann Nepomuk Hummel은 모차르트와 하이든 밑에서 수학하였는데 베토벤과 슈베르트의 친구이기 했다. Hummel은 다른 악기보다 피아노에 집중하였다. 그가 1791년과 1792년에 런던에서 작곡하고 1793년에 출간한 opus 2 피아노 소나타는 모차르트의 기법을 사용하였다. 그당시에 음악가는 다른 사람의 작품을 연구하고 다른 음악가의 몸짓을 복사하고 때론 라이벌로서 행동하였다.

낭만주의 음악은 18세기 후반에서 19세기 초반에 이르는 서양 클래식의 음악의 시기를 나타낸다. 이것은 유럽에서 18세기 후반에 일어난 예술적인 문화적인 낭만주의와 관계되어지는데, 낭만주의 음악은 특히 독일에서 일어난 낭만주의 운동에 지배되어진다.

낭만주의 운동은 산업혁명에 힘입은 18세기 후반 유럽에서 발생한 예술적, 문화적 지적인 운동이었다.

음악적 낭만주의를 포함한 낭만주의의 특징은...
- 자연에 대한 복종
- 과거 특히 중세시대 및 기사도정신에 대한 매표
- 환상적이며 종교적인 것에 대한 관심
- 무한 추구에 대한 갈망
- 야행성, 악마, 두려움, 공포에 촛점
- 환상적인 갈망과 정신적 경험
- 민족 정체성에 대한 관심
- 극단적인 개인주의에 대한 강조
- 자전적 방식에의 흥

이러한 리스트들은 널리 퍼졌는데, 결론적으로 "상반되는 현상에 대한 혼란"으로 본질적인 다른 의미에 대한 피상적, 상징적이라는 비판을 받았다. 태도가 매우 애매한 것으로 비판을 받았다. 예를 들면 유령적이고 초현실적은 것은 모차르트의 1787년 작품 Don Giovanni와 스타빈스키의 1951년 작품 The Rake's Progress에도 동일하게 적요될 수 있기 때문이다.

새로운 세기의 등장에도 음악은 후기 낭만주의의 특징을 가지고 있었다. Gustav Mahler, Richard Strauss 와 Jean Sibelius 같은 음악가는 포스트-낭만주의 교향곡 작품을 작곡하였다. 동시에 Claude Debussy가 앞서나간 인상파운동은 프랑스에서 발전 되었다.

많은 작곡자들이 포스트-낭만주으와 인사주의 유형에 반응을 하였고 서로 다른 방향으로 진행되었다. 세기에 걸쳐 음악의 방향을 결정하는 유일하게 중요한 것은 전통적인 음조와 결별하고 다른 작곡가에 의해 다양한 방식으로 진행된 것이다. 베니스에서 Arnold Schoenberg은 무조성을 발전시켰다. 그리고 그는 후에 12음 기법을 그의 원칙에 의해 더욱 발전시켰다. Alban Berg, Anton Webern와 Stravinsky는 이를 더욱 발전시켰다.

1차대전 이후에, 많은 작곡가들은 영감에 대해 과거를 회귀하였고 유형, 하모니, 멜로디, 구조의 요소를 그린 작품을 작곡하였다. 이러한 음악의 유형은 네오고전주의로 명명되었다. 그래서 Igor Stravinsky (Pulcinella and Symphony of Psalms), Sergei Prokofiev (Classical Symphony), Ravel (Le tombeau de Couperin) and Paul Hindemith (Symphony: Mathis der Maler)의 작품에 네오고전주의 작품이다.

Francesco Balilla Pratella 와 Luigi Russolo 같은 이탈리아 작곡가들은 음악적 미래파를 발전시켰다. 이 유형은 일상의 사운드를 재창조하려하고 이것을 미래파의 맥락으로 위치시켰다. George Antheil와 Alexander Mosolov는 기계음악을 발전시켰다. Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, John Foulds, Ivan Wyschnegradsky, 및 Mildred Couper 많은 작곡자에 의해 미분음의 사용으로 음악적인 사용가능한 톤을 넓혔다. 미분음은 간격에서 반음보다 적고, 사람의 음성과 현악기는 쉽게 생산할 수 있지만 피아노나 오르간의 악기는 불가능했다.

1940~1950년대 유명한 음악가 Pierre Schaeffer는 기술을 음악에 적용하려 하였다. 전기음향의 음악에는 후에 마그네틱 테이프, 컴퓨터, 멀티미디어와 전자기술 들을 포함하게 되었다. 라이브 전자음악은 연주에서 전자 사운드를 사용하는 Cage의 Cartridge Music이 초기 시험되었다.

1950년대 초에 Cage는 그의 음악에 다양한 변화요소를 도입한다. 결과적으로 indeterminacy, aleatoric music, stochastic music, intuitive music, and free improvisation의 음악적 기술을 생산해냈다.

문화적 흐름의 중요성으로 이시기의 음악을 낭만주의, 모더니즘, 네오고전주의, 포스트모더니즘으로 명명되기도 한다. Igor Stravinsky와 Sergei Prokofiev는 이시기에 탁월하게 평가되었으며, 특히 Dmitri Shostakovich는 사회주의의 사회적성격을 반영하고 사회주의 리얼리즘의 구조안에서 작품을 작곡할 수 있었다. Benjamin Britten 같은 다른 작곡가는 그의 작품에서 정치적인 주제를 다루었고, 민족주의 또한 중요한 화두로 대두되었다. 미국에서는 Charles Ives, John Alden Carpenter, George Gershwin이 자신의 작품속에서 미국의 특유성을 알리게 되었다. 포크송이나 재즈가 유행하게 되었다.

절충주의와 다양한 스타일이 중요하게 되었다. Minimalism, New Complexity, New Simplicity가 다양하게 대두되었다. 포스트모더니즘이라는 용어는 모더니즘에 재 반응하는 것인데, 무엇에 재반응하는 것인지 명료하지는 않다.

낭만주의 스타일

19세기말에 낭만주의 유형은 인상주의와 포스트-낭만주의로 평행선을 그으며 분산하기 시작하였다. 20세기에는 앞선 세기에 등장한 다른 유형이 음악가들에게 새로운 트랜드와 때때로 그것을 확장시키는 방향으로 영향을 주어 20세기안에 공존하게 되었다.

20세기 초에는 많은 작곡가들이 19세기 낭만주의 음악의 연장선에서 작품을 작곡하였다. 그리고 오케스트라나 현악4중주 같은 전통적인 기악그룹이 가장 전형적으로 존재했다. 교향곡이나 협주곡같은 전형적인 유형이 연주에 사용되었다. Gustav Mahler와 Jean Sibelius는 전통적인 교향곡의 유형을 유지하고 작품을 썻던 대표적인 예이다.

Neoclassicism

네오고전주의는 두 세계대전 속에서 유형의 균형을 되살리고 후기 낭만주의의 과장과 무유형으로 부터 17~18세기의 이론적 과정을 명료히 하는 것을 추구하였다.

Neoclassicism

많은 수의 작곡가들의 재즈의 요소를 클래식의 작곡스타일에 결합하였다.
- Leonard Bernstein
- Aaron Copland
- George Gershwin
- Darius Milhaud
- Maurice Ravel

Movements

인상주의

프랑스에서 출발된 인상주의는 Claude Debussy에 의해 주도되었는데 Wagner에 의해 예시되었던 독일 낭만주의의 감적의 과열과 서사적인 주제에 대항하였다. Debussy의 관점에서는 예술은 지적이거나 윤리적인 것이 아니라 감성적인 경험이었다.

인상주의에 포함된 음악가들은 Maurice Ravel, Albert Roussel, Isaac Albéniz, Paul Dukas, Manuel de Falla, Charles Martin Loeffler, Charles Griffes, Frederick Delius, Ottorino Respighi, and Karol Szymanowski 등이었다.

모더니즘

미래주의

미래주의는 1909년 Filippo Tommaso Marinetti의해 창시된 이탈리아 예술운동이었다. 이것은 빠르게 러시아의 avant garde에 받아들여졌다. 1913년에는 화가 Luigi Russolo가 The Art of Noises를 모든 종류의 음악에 결합할것을 주장하였다.

미래주의 작가의 작품은 매우 적지만, 20세기 음악의 발전에 끼친 영향은 막대하다. Sergei Prokofiev, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arthur Honegger, George Antheil, Leo Ornstein, 및 Edgard Varèse가 미래주의의 영향을 받은 작곡가이다. 20세기 후반 미래주의에 기초한 음악의 특징은 prepared piano, integral serialism, extended vocal techniques, graphic notation, improvisation, and minimalism이다.

Free dissonance and experimentalism

20세기 초에 Charles Ives는 미국과 유럽의 전통을 결합하였는데 리듬과 하모니, 유형에서 혁신적인 기술을 사용하였다. 그의 기술은 polytonality, polyrhythm, tone clusters, aleatoric elements, 및 quarter tones의 사용을 포함하고 있었다.

표현주의

표현주의는 세계1차대전 전후로 독일과 오스트리아의 주된 예술가들의 추세였다. 어떤 면에서는 인상주의에 대항하고 있는데 종종 무의식에 심리적인 상태에 기반하여 느낌을 즉시적으로 표현하는 것을 강조하고 있다. 표현주의는 Arnold Schoenberg의 free atonal period와 동일시 되었다. Alban Berg와 Anton Webern가 여기에 해당된다.

1920년대 후반, 많은 작곡가들이 표현주의 방식을 발표하였지만, 독일의 신즉물주의파와 네오고전파에 의해 보완되어졌다. 나치에 의해 오명되어진 다른 운동처럼 표현주의는 재고 되어졌고, Hans Werner Henze, Pierre Boulez, Peter Maxwell Davies, Wolfgang Rihm, Bernd Alois Zimmermann 같은 작곡가의 작품에 의해 재 조명 되었다.

포스트 모더니즘 음악

포스트 모더니즘은 모더니즘의 반발로 나타났으며 사회적 태도에 대한 깊은 성찰에 대한 응답으로 보여질 수 있다. 포스트모더니즘은 1930년대 후반에 역사적인 낙관주의가 비관주의로 바뀌면서 시작되었다.

John Cage는 20세기 음악에서 탁월한 인물로서 모더니즘과 포스트모더니즘이 간극을 줄일수 없어서 모더니즘과 포스트모더니즘에 정의를 요구했다. 그의 영향력은 지속적으로 커갔다. 그의 잘 알려진 작품은 4′33″이다.

뒤이은 대부분의 유형과 운동은 포스트모더니즘으로 분류될 수 있다.

미니멀리즘

20세기 후반에 La Monte Young, Arvo Pärt, Philip Glass, Terry Riley, Steve Reich, John Adams 같은 작곡가는 미니멀리즘으로 불리우는 것을 행했다. 작품에서 가장중요한 요소를 제거하여 음악의 특징이 반복이 되었다.

현대 클래식 음악은 모더니즘의 퇴조와 함께 1970년대 중반에서 시작된것으로 이해될 수 있다. 그러나 1945년 이후의 현대적인 음악의 유형으로 광범위하게 쓰이기도 한다.

일반적으로 현대 클래식 음악은 다음에 이른다.:
예술 음악의 현대적인 형태
- Anton Webern의 사후 1945년 이후 현대적 형태
(including serial music, electroacoustic music, musique concrète, experimental music, atonal music, minimalist music, etc.)
- 1975년 이후의 현대적인 형태
(including post-modern music, Spectral music, post-minimalism, sound art, etc.)

배경

20세기가 시작되면서 클래식 음악의 작곡가들은 증가하는 불협화음 높이의 언어를 실허하였다. 후기 낭만주의의 과장된 표현이나 무정형에 대한 반발로 어떤 작곡가는 네오고전주의를 채택하여 초기스타일의 균형된 형태와 이론적인 특징을 추구하였다. 2차대전 후 모던니스트 작곡가들은 작곡의 과정에서 보다 높은 조절을 추구하였다. 기술의 발전은 전자음악의 탄생을 가져왔다. 이에 대한 반복되는 실험은 미니멀리즘을 탄생을 가져왔다.

1945–75

2차대전 이후에는 어느정도 유럽과 미국의 전통은 다양화되었다. 유럽에서 가장 영향력 있는 작곡가는 Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen 이다. 이시대에 가장 심미주의적인 철학은 음렬주의로 Arnold Schoenberg와 Anton Webern에 의해 시작되었다. 그러나 Dmitri Shostakovich와 Benjamin Britten는 전통주의에 입각한 작곡가로 남아있다.

미국에서는 Milton Babbitt, John Cage, Elliott Carter, Henry Cowell, Philip Glass, Steve Reich, George Rochberg, Roger Sessions 같은 작곡가는 그들자신의 사고를 구체화하였다. 그들중 일부는 (Cage, Cowell, Glass, Reich) 실험음악의 새로운 방법론은 만들고 notation, performance, duration,repetition 등의 음악의 근본적인 관념에 질문을 하였다. 그리고 일부는 (Babbitt, Rochberg, Sessions) Schoenberg의 12음 음렬주의에 자신의 성과를 더하였다.

Movements

모더니즘

최근의 현대 운동의 중심적인 특징은 살아있거나 단지 근래에 사라졌다. 그리고 모더니즘의 정신과 유형을 발전시키려는 작곡가와 연주가 및 청취가의 노력이 아직도 생생하게 살아있다.

음렬주의는 전후 운동의 가장 중요한 부분중의 하나이다. 음렬주의는 세부적으로 통합과 조합 음렬주의로 명명되었다. 그리고 유럽에서는 Pierre Boulez, Bruno Maderna, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen 미국에서는 Milton Babbitt, Donald Martino, Charles Wuorinen에 의해 이끌어 지고 있다.

모더니스트 작곡가로는 James MacMillan, Erkki Salmenhaara, Henrik Otto Donner, Magnus Lindberg, Franco Donatoni, Jonathan Harvey 등의 작곡가가 있다.

전자 음악

1975-1990년 사이에 컴퓨터 기술의 패러다임은 전자음악의 지평을 넓혔다. 개인 컴퓨터는 전자 음악가의 필수 장비가 되었다

스펙트럼

스펙트럼 음악은 사운드에 대한 초음파적인 검사나 수학적 분석에 의해 정보된것을 기반으로 작곡하는 음악적 행위이다. 스펙트럼 접근은 분석과 연결과 전송을 통해 특징을 다루는데 촛점을 두고 있다. 컴퓨터 기반의 사운드 분석과 오디오 신호의 표현은 음색의 표현으로 다루어진다.

포스트-모더니즘

포스트 모더니즘은 모더니즘에 대항하여 한부분을 형성하는데 아직도 스스로 주되게 정의되어 있지 못하다.

Polystylism (eclecticism)

New Simplicity

1960년대 후반 덴마크에서의 운동은 보다 목적적이며 비 인격적인 음악을 창조하려는 시도와 1970년대 후반에서 1980년대 초반에 독일에서의 운동은 작곡에서 주제를 저장하려는 방대한 전략은 둘다 모두 단순한 질감의 음악을 창조하려는 추구였다. 독일에서의 새로운 단순함의 추구는 Wolfgang Rihm의 작곡가로 잘 알려졌다.

New Complexity

New Complexity는 오늘날 유럽의 avant-garde 음악의 모습으로 New Simplicity과 대비되어 명명되었다.

종종 음에 있어 특정한 조를 사용하지 않고 매우 추상적이며 부조호적이지만 New Complexity는 복잡한 음악적 표시를 요구하는 기술을 사용하는 특징을 가지고 있다. 이러한 스타일을 사용하는 그룹에는 Richard Barrett, Brian Ferneyhough, Claus-Steffen Mahnkopf, James Dillon, Michael Finnissy, James Erber, and Roger Redgate의 작곡가가 있다.

미니멀리즘과 포스트-미니멀리즘

미니멀리즘의 세대는 새로운 작곡에 두드러진 역할을 하고 있다. 많은 작곡가들은 미니멀리즘의 음악적 자원을 확대하여 락을 포함하고, 리듬, 음렬주의 및 많은 다른 기술을 확대하고 있다. 포스트-미니멀리즘은 1960년에 후반에 그림과 조각에서 시작한 운동이다.